Le temps d'une danse

Spectacle gestuel à partir de 3 ans

Synopsis

Le temps d’une danse est un spectacle gestuel jeune public dès 3 ans, à la rencontre de la danse, de la musique et du jeu.

Sur scène, quelques instruments sont posés, un corps est endormi et le silence s’installe. Une deuxième personne arrive, observe et commence à explorer les objets qui l’entourent. Peu à peu, deux univers qui semblaient étrangers l’un à l’autre se découvrent, se confrontent et apprennent à communiquer.

Dans ce spectacle sans parole, le corps devient un véritable langage. Le mouvement répond au son, la musique transforme le geste et les instruments deviennent autant de prétextes à jouer, expérimenter et se surprendre. De l’indifférence à la curiosité, de la méfiance au jeu, les deux personnages s’apprivoisent jusqu’à inventer une véritable conversation où la danse et la musique remplacent les mots.

Poétique, ludique et sensible, Le temps d’une danse invite les enfants comme les adultes à explorer la rencontre avec l’autre, les émotions et le plaisir de partager un langage commun.

Une rencontre entre la danse et la musique

Au cœur de Le temps d’une danse se trouve la rencontre avec l’autre. Deux personnages issus d’univers différents commencent par s’ignorer, puis passent progressivement de la méfiance à l’observation, du désaccord au jeu, jusqu’à parvenir à communiquer ensemble.

Le spectacle explore ainsi la manière dont le corps peut devenir un langage. Sans dialogue parlé, les gestes, les regards, la danse et la musique permettent d’exprimer des émotions, de se comprendre et de construire une relation. La communication non verbale devient alors le fil conducteur de la rencontre.

À travers le jeu et les situations vécues sur scène, Le temps d’une danse aborde également différentes émotions et expériences de l’enfance : la curiosité, la jalousie, la colère, le partage et l’amitié. Le spectacle invite ainsi les jeunes spectateurs à observer comment une relation peut évoluer lorsque l’on prend le temps de découvrir, écouter et accepter l’autre.

Les principales thématiques du spectacle sont donc : la rencontre, la relation à l’autre, les émotions, la communication par le corps, le partage et la découverte d’un langage commun à travers la danse et la musique.

Un spectacle sans parole, ouvert à tous les publics

Dans Le temps d’une danse, la parole laisse volontairement la place au corps, au mouvement, aux regards et à la musique. Les deux interprètes construisent leur relation sans dialogue parlé, en faisant du geste un véritable moyen d’expression et de communication.

Cette absence de texte permet à chacun d’entrer dans le spectacle à sa manière. Les enfants peuvent suivre une émotion, un son, un objet ou une situation de jeu, tandis que les adultes peuvent percevoir autrement l’évolution de la relation entre les deux personnages. Il n’existe pas une seule lecture du spectacle : chaque spectateur peut y projeter sa propre sensibilité.

Cette écriture essentiellement visuelle et musicale rend la création particulièrement accessible à des publics d’âges et de sensibilités différents. Sans dépendre de la compréhension d’un récit verbal, Le temps d’une danse propose une expérience immédiate, fondée sur l’écoute, l’observation et les émotions.

Le spectacle devient ainsi un espace de partage où la danse et la musique dépassent les mots pour créer un langage commun, sensible et universel.

Les ateliers autour du spectacle

Autour de Le temps d’une danse, la Cie L’Autre et Moi propose des ateliers de médiation artistique pensés pour prolonger l’expérience du spectacle et accompagner les enfants dans la découverte de la danse, de la musique et des émotions.

Avant ou après la représentation, les enfants peuvent explorer le mouvement, le mime, les jeux d’écoute et de rythme, les jeux vocaux, les objets sonores ou encore les foulards. Ces ateliers permettent d’aborder de manière ludique des thèmes présents dans le spectacle comme la jalousie, la colère, le partage et l’amitié.

Une, deux ou trois séances peuvent être proposées selon le projet, avec des formats adaptés aux écoles maternelles, médiathèques, théâtres, festivals ou encore aux rencontres parents-enfants. Les séances durent généralement 30 à 45 minutes par groupe.

Ces temps de pratique permettent de préparer les enfants à la représentation, d’éveiller leur curiosité et leur écoute, puis de prolonger le spectacle en leur donnant la possibilité de réinterpréter, créer et exprimer ce qu’ils ont ressenti.

Fiche technique

Public : à partir de 3 ans
Durée : 40 minutes
Version courte : 30 minutes
Équipe artistique : 1 comédienne-danseuse et 1 comédienne-musicienne
Type de représentations : scolaires et tout public
Espace de jeu minimum : 5 m d’ouverture × 4 m de profondeur
Éléments de décor et instruments : toy piano, violon, flûte en bambou, bâton de pluie, tissu bleu en velours et gobelets multicolores
Montage : prévoir une journée pour le montage, le travail de lumière, la conduite et un filage
Accueil des artistes : arrivée environ 2 heures avant la représentation
Loge : prévoir un espace pour se changer, pouvant fermer à clé
Plateau : sol nettoyé avant la représentation
Pour les lieux non équipés : prévoir tapis, coussins, bancs ou chaises pour les spectateurs
Forme adaptable : une version légère et autonome peut être proposée dans les lieux qui ne sont pas des salles de spectacle